※ 前回までの記事よりデータ数が増えており（181演奏会・1081曲）、曲数や割合の数字が若干異なります。今後も継続的にデータを追加していく予定です。

曲数より「登場する演奏会の多さ」が本質

181演奏会・1081曲のうち、映画・ミュージカルカテゴリは137曲。曲数比率だけを見ると12.7%ですが、実際には89演奏会（49%） に登場しています。ほぼ2演奏会に1回のペースで、どこかのステージに映画やミュージカルの音楽が鳴っている計算です。

曲数の比率より、演奏会への登場率のほうがこのジャンルの存在感を正確に表しています。映画音楽には「初見で伝わる・MCなしでも盛り上がる・世代を共有しやすい」という強みがあります。演奏会のコミュニケーションコストを下げられるジャンルとして、多くの楽団がプログラムに取り入れているのでしょう。

ディズニーの独走

作品（シリーズ）別に集計すると、ディズニー（36演奏会） が圧倒的な1位。映画・ミュージカルを含む89演奏会の実に40%をディズニーだけで占めます。

2位のスタジオジブリ（15演奏会）との差は21演奏会──倍以上の開きがあります。3位以下はレ・ミゼラブル（6演奏会）、オペラ座の怪人（5演奏会）と続きますが、ジブリとの差も大きく、実態は「ディズニー独走、ジブリが遠く追う2位、残りは僅差」という順位表です。

ディズニーはなぜここまで選ばれるのか

ディズニーの36演奏会を内訳で見ると、「ディズニー・ファンティリュージョン！」と「ディズニー・ヴィランズ・メドレー」が各5演奏会で同率1位。続いて「リトル・マーメイド・メドレー」「ノートルダムの鐘」が各3演奏会と続きます。特定の1作品ではなく、複数作品をまとめたメドレー曲が上位を占める点が特徴的です。

ディズニーがここまで選ばれる背景には、吹奏楽との高い相性があります。

• 良質な吹奏楽編曲が豊富に流通している
• メドレー形式で1曲にボリュームを出せる
• 世代を問わず会場全体で共有できる
• 客席が冷えにくく、MC不要でも成立する

「迷ったらディズニー」という選曲が成り立つのも、こうした安定感があるからです。集客・興行面でも外しにくく、ファミリー層や年配層にも届く。ポップスステージで「安全牌」として機能しやすいジャンルと言えます。

「アラジン」「ラプンツェル」「ライオン・キング」など個別作品も登場しますが、数のうえでは「ディズニーメドレー」系が圧倒的多数。「ディズニー」はひとつの映画ではなく、ブランドごと選ばれているのです。

ジブリは「久石譲サウンド」への愛

2位のスタジオジブリ（15演奏会）の特徴は、曲のバリエーションが広く分散していることです。「千と千尋の神隠し」「ハウルの動く城」「紅の豚」「風の谷のナウシカ」「魔女の宅急便」「天空の城ラピュタ」……と、ほぼ全作品が満遍なく選ばれており、突出した定番曲はありません。

ジブリ人気の根底にあるのは「作品ブランド」だけでなく、久石譲サウンドとの相性ではないかと思います。

木管が主役になれる旋律線、強奏でも崩れない和声、ノスタルジーを刺激するメロディ。

これらは吹奏楽編成で非常に映えます。さらに初級から上級まで編曲資産が豊富で、中規模のアマチュア楽団でも無理なく取り組める。特定のレベルの楽団だけが選べる音楽ではない点も、広く選ばれる理由のひとつでしょう。

「これが吹奏楽のジブリ定番」という一強はなく、各楽団が好みの作品を選んでいる──それがジブリの選ばれ方です。

ミュージカル部門：「ポップスなのに真面目にやれる」枠

ミュージカル系に絞ると、レ・ミゼラブル（6演奏会） がトップ。続いてオペラ座の怪人（5演奏会）、ウエスト・サイド・ストーリー、ウィキッド、ミス・サイゴン（各3演奏会） と続きます。

レ・ミゼラブルやオペラ座の怪人には、吹奏楽界特有の魅力があります。シンフォニックに鳴らせる・大編成で映える・ドラマ性が強い──コンクールで培ったサウンドとの相性が非常に良いのです。「ポップスステージに置きながら、本気で吹ける」という点で、吹奏楽団にとって都合の良いジャンルと言えます。ディズニー・ジブリが「つなぎ・親しみやすさ」の枠なら、こちらは「大曲・見せ場」の枠です。

ランキングに登場する「ハリー・ポッター（4演奏会）」は厳密にはミュージカルではありませんが、大編成映えという点でレ・ミゼ・オペラ座と同じプログラム上の機能を担っています。

まとめ──ディズニーは別格、でも「何を選ぶか」は楽団の個性

映画・ミュージカルは関東の吹奏楽演奏会のほぼ2回に1回（49%）に登場するジャンルですが、その中ではディズニーが別格の存在感を持っています。

それでも「ディズニーを選ぶ」だけでは個性は出ません。「ヴィランズメドレー」か「プリンセスメドレー」か、「ファンティリュージョン」か「トロピカルメドレー」か──選択の中に楽団の色が滲み出ます。ジブリも同様で、「ナウシカ」と「アリエッティ」では聴こえてくる空気がまったく異なります。

映画・ミュージカルは「親しみやすいだけ」のジャンルではなく、選択そのものが演奏会のコンセプトを語るジャンルなのかもしれません。

前回まで（#006、#007、#008）、関東5都県の吹奏楽団レパートリーをジャンル構成・作曲家の2つの角度から見てきました。今回はその中から「ポップス・J-POP」カテゴリに絞り、どんな曲が何回演奏されているかを掘り下げます。

ポップス・J-POPは全体の15.4%

168演奏会・984曲のうち、ポップス・J-POPカテゴリは152曲・15.4%を占め、クラシック編曲（14.7%）・映画・ミュージカル（13.9%）とほぼ並ぶ第2位グループに位置します。吹奏楽オリジナル（42.2%）とは大きな差がありますが、「聴衆に身近な曲を届ける」枠として、多くの楽団がプログラムに取り入れていることがわかります。

なお、このカテゴリには純粋な日本語ポップスだけでなく、カーペンターズやグレン・ミラーのような洋楽オールディーズ、演歌・昭和歌謡、ディスコクラシックなども含まれています。吹奏楽団の実態として「幅広い耳なじみのある曲をまとめたジャンル」と捉えるのが実情に近いでしょう。

ランキング：YOASOBIメドレーが単独トップ、カーペンターズとライラックが同率2位

同一団体の複数公演は1回にカウントし、2団体以上が演奏した曲を集計しました。

「YOASOBIメドレー」が4団体で単独トップ。「カーペンターズ・フォーエバー」と「ライラック」（Mrs. GREEN APPLE）が3団体で並びます。2団体では情熱大陸、グレン・ミラー・メドレー、アイノカタチなど8タイトルが続きます。

なぜこの3曲が複数団体で選ばれているのか、少し考えてみます。

• YOASOBIメドレー：現代ヒットとしての知名度に加え、若年層や子ども連れの聴衆にも届きやすい。複数の都県にまたがって演奏されており、世代を超えたYOASOBI人気の広さがそのまま表れています。
• カーペンターズ・フォーエバー：中高年層への訴求力が強く、メロディがはっきりしているため吹奏楽編曲との相性も良い。半世紀近く前の楽曲ですが、編曲資産が豊富で、安定して取り上げやすい曲です。
• ライラック（Mrs. GREEN APPLE）：2024年のヒット曲で、アニメタイアップを通じて若年層を中心に幅広く浸透しています。「いま耳に届いている曲」を取り入れたい楽団にとって、有力な選択肢になっていると考えられます。

共通するのは「世代を超えて届く力」を持っている点です。最新ヒットを取り込む軸（YOASOBI・ライラック）と、世代を超えて愛され続ける定番を押さえる軸（カーペンターズ）が、同じランキングに並んでいるのが特徴と言えそうです。

「ライラック」が示す、選曲サイクルの加速

特に注目したいのが「ライラック」（大森元貴作曲）です。アニメ「忘却バッテリー」のオープニングテーマとして2024年にヒットした楽曲が、すでに3団体で演奏されています。

従来の吹奏楽では、ヒット曲が「吹奏楽定番」として定着するまでに数年単位の時間差がありました。聴衆の耳になじんだ頃に、ようやく編曲・出版・演奏という流れに乗るのが一般的なパターンです。しかし現在は、ヒットから間もない楽曲がすぐに編曲・演奏されるようになっています。

これは単なる編曲スピードの向上だけではなく、吹奏楽団側が「今の聴衆の耳」に以前より敏感になっている変化とも読めます。「定番化してから演奏する文化」から、「定番化を待たずに今を追う文化」へ──ランキングの一行は、そうした選曲サイクルそのものの変化を映しています。

「宝島」はなぜランクインしないのか

以前の記事でも触れましたが、「宝島」「オーメンズ・オブ・ラブ」（和泉宏隆作曲・真島俊夫編曲）はこのランキングにほぼ登場しません。ポップス・J-POPカテゴリでは「オーメンズ・オブ・ラブ」は1団体のみ、「宝島」はゼロ件です。

これらはアンコール曲として演奏されることが多く、事前告知されないためデータに反映されにくい構造があります。このランキングはあくまで正式プログラムとして公開された曲の集計で、実際の人気とはズレがありうる点には留意が必要です。

多様性の高さ：大半が1団体のみ

このカテゴリのもう一つの特徴は、少数の定番曲に集中するのではなく、各団体が幅広い曲を選んでいることです。リサーチの言葉では「ロングテール構造が強い」と表現されますが、噛み砕いて言えば「定番への集中が弱く、選曲の自由度が高い」状態です。

ポップス・J-POPカテゴリの152曲を、ユニークなタイトル単位で集計し直すと135タイトル。その分布は次のようになります。

• 4団体：1タイトル（YOASOBIメドレー）
• 3団体：2タイトル（カーペンターズ・フォーエバー、ライラック）
• 2団体：8タイトル
• 1団体のみ：124タイトル

ではなぜ、こうした構造になるのでしょうか。背景には、吹奏楽オリジナルとポップスでは「定番」が生まれる場所が違うという事情があります。

吹奏楽オリジナルは、コンクール課題曲・出版社の推薦曲・指導者間の口コミなど、吹奏楽界の内部で共有されるレパートリーです。同じ曲を多くの団体が演奏することで「定番」が積み上がっていきます。一方、ポップスは社会全体の音楽文化から選ばれるため、時代・世代・地域・団体カラーによって選曲が大きく分散します。「みんなが聴いている曲」は、社会全体ではむしろ細分化しているのが現状です。

吹奏楽オリジナルが少数の定番曲（春の猟犬、たなばた等）に集中する傾向と対照的に、ポップス枠は「何を演奏するか」の自由度が高く、楽団の個性が出やすいジャンルになっています。吹奏楽オリジナルには定番集中があるが、ポップスは多様化している──この対比は、シリーズ全体の中でも興味深い発見の一つです。

YPWOのポジション

YPWOもポップスを演奏する楽団で、このランキングに登場する「カーペンターズ・フォーエバー」も2025年秋に演奏しました。ただし、ランキング上位の曲との関係を見ると、選曲の軸そのものが少し違うことが見えてきます。

YPWOの演奏会は二部構成で、前半は映画・ドラマ音楽や国内外のポップス、後半はテーマを絞った特集枠という形を取っています。特集枠では毎回テーマを切り替えて深掘りします。一般的な吹奏楽団では一曲単位でしか登場しにくい領域を、まとまった特集として届けるのが特色です。

ポップスの射程も「いま売れている曲」に限定せず、戦前の歌謡曲から昭和の名曲、洋楽オールディーズ、現代J-POPまで幅広く取り上げます。「今ヒットしているか」だけでなく、演奏文化として面白いか・世代を超えて残っているかという観点を重視しているためです。

結果として、一般的な吹奏楽団のポップス選曲とは少し違う傾向になっています。

まとめ

関東のポップス・J-POPランキングでは、YOASOBIメドレーが4団体で単独トップ、カーペンターズ・フォーエバーとライラックが3団体で続く。最新J-POPと半世紀前の洋楽がランキング上位に同居し、「これが定番」と言い切れる曲がない多様性の高さが際立ちます。「定番がない」こと自体が、このジャンルの特徴なのかもしれません。

神奈川のアマチュア吹奏楽団の演奏傾向を以前の記事でお伝えしました（#006、#007）。今回は同じ分析を関東5都県──神奈川・東京・埼玉・千葉・茨城──に拡大し、「範囲を広げると何が変わるのか」を検証しました。

データについて: 第7回までの記事は2025年4月時点の調査データ（神奈川71演奏会・416曲）をもとにしています。今回から、その後も収集・整理を続けた最新データ（神奈川62演奏会・393曲、関東全体168演奏会・984曲）に基づいています。数字が前回記事と異なる場合はこのデータ更新によるものです。

2026年5月の数値更新について: 公開時点（2026年5月）に「関東185演奏会・1,051曲」と記載していましたが、その後の点検で、別の概要ページが同一公演を二重に登録していたケースや、吹奏楽団ではない室内アンサンブルが集計に混ざっていたケースが見つかりました。これらを整理して再集計し、現在の「関東168演奏会・984曲」に修正しています。記事の結論や主要なランキング順位（春の猟犬1位・たなばた2位・A.リード首位など）は変わりませんが、各数値は精緻化しています。

調査の規模──実質は「神奈川＋東京」の分析

神奈川のみの調査（62演奏会・393曲）に、東京・埼玉・千葉・茨城のデータを加えたところ、168演奏会・984曲に拡大しました。ただし、神奈川が全体の40%（62演奏会・393曲）、東京が39%（67演奏会・388曲）を占めており、実質的には「神奈川＋東京中心の分析」です。埼玉・千葉・茨城はデータが限られており、地方の特色は過小評価されている可能性があります。「関東全体の傾向」というより「神奈川・東京を中心とした広域の傾向」として読んでいただく方が正確です。

※関東7都県のうち群馬・栃木については、AIによる公開情報収集の段階で演奏会情報を取得できなかったため、今回の分析対象から除外しています。

神奈川 vs 関東5都県：ジャンル比率の変化

※ YPWOはプレコンサート〜第2回定期演奏会（30曲）の実績。神奈川・関東のデータはウェブ上に公開されている演奏会プログラムをAIが収集・分析したもの。

このグラフで注目すべき点は3つあります。

1. 吹奏楽オリジナルが神奈川（34.9%）より関東全体（42.2%）で高い
2. 神奈川はポップス・映画系が関東平均より高い
3. クラシック編曲も関東全体でわずかに高め

最も目を引く変化は、吹奏楽オリジナルの比率が関東全体で上昇した点です。その主な要因は東京のデータにあります。東京の吹奏楽オリジナル比率は51.8%と突出しており、クラシック編曲も18.8%と高水準です。

なぜ東京はオリジナル比率がこれほど高いのか。背景には、東京特有の「吹奏楽コンクール文化」があると考えられます。全国大会を目指すコンクール団体が多く、大学バンドや専門的な指導者・プロ奏者との接点も豊富なため、吹奏楽オリジナルや高難度のクラシック編曲（18.8%）を中心に据える団体が自然と多くなるのではないでしょうか。

一方、神奈川がポップス・J-POP（20.6%）や映画・ミュージカル（18.1%）の比率が比較的高い背景には、市民バンド文化の土台があると思われます。コンクール参加よりもイベント・地域密着型の演奏機会を重視する団体が多く、聴衆に親しみやすいレパートリーを選ぶ傾向があるのかもしれません。。

よく演奏される曲は変わったか

※ 同一団体の複数公演は1回にカウント。「たなばた」は「The Seventh Night of July」名義での演奏を含む。関東7都県のうち栃木・群馬はデータ未収録のため除外。3回演奏の曲はさらに約15曲。

上位曲に吹奏楽オリジナルが多い結果に、関東の吹奏楽団のレパートリーの傾向がよく表れています。最多は「序曲『春の猟犬』」（アルフレッド・リード）の10演奏会で堂々の1位。続く「たなばた」（酒井格）が9演奏会、「吹奏楽のための第一組曲」（ホルスト）が5演奏会で並んでいます。アルフレッド・リードは関東全域でも演奏数が多い作曲家であり（名寄せ後で39演奏会）、久石譲（23演奏会）を大きく上回って首位に立っています。

神奈川の調査では「久石譲」と「アルフレッド・リード」が各17〜19演奏会でトップを争っていましたが、関東全体ではリードが39演奏会で単独首位に大差をつけています。コンクール文化の強い東京でリードの曲がよく演奏されることが、この変化の背景にあると考えられます。一方、久石譲の人気もエリアを超えて一貫しており、23演奏会で2位につけています。

変わらないこと：YPWOのブルーオーシャン

神奈川のみの分析で見えていたことが、関東5都県でもおおむね確認できました。YPWOの代表曲──Take the A Train、On the Sunny Side of the Street、September──は168演奏会・984曲の中でほとんど登場しません。「A列車で行こう」が1演奏会で確認できましたが、単発のアクセントとしての組み込みであり、4演奏会以上の定番曲には遠く及ばず、レパートリーの傾向として定着しているとは言えない水準です。

吹奏楽オリジナル0%、ポップス・ジャズ・ラテンに特化した選曲──少なくとも今回のデータ（168演奏会・984曲）の範囲では、このポジションをメインコンセプトとして掲げる団体は確認できませんでした。かなり珍しい立ち位置であり、範囲を広げるほどその輪郭がはっきりしてきます。

まとめ

エリアを関東5都県（168演奏会・984曲）に拡大しても、基本的な傾向に大きな変化はありませんでした。吹奏楽オリジナルが全体の4割以上を占め、ポップス・映画系が続く構造は変わらず。ただし東京のデータが加わることで、吹奏楽オリジナルとクラシック編曲の比率がやや高まる傾向が見られました。

今後は調査データをさらに拡充し、都県別の特色や経年変化にも迫っていきたいと考えています。

最もよく演奏される作曲家は誰か

28団体・71演奏会・416曲を集計したところ、アルフレッド・リードと久石譲が各16演奏会で同率トップという結果になりました。

この2人が並ぶというのは、なかなか興味深い組み合わせです。

アルフレッド・リードはアメリカの作曲家で、吹奏楽のために数多くの作品を書き残しました。「アルメニアン・ダンス」「エル・カミーノ・レアル」「オセロ」など、日本の吹奏楽コンクールで長年演奏され続けてきた名曲を持ち、吹奏楽界では「王道中の王道」とも言える存在です。一方、久石譲はスタジオジブリ作品の音楽を手がけた作曲家として、音楽ファン以外にも広く知られています。「となりのトトロ」「もののけ姫」「千と千尋の神隠し」……誰もが一度は耳にしたことのある曲の数々が、吹奏楽でも頻繁に演奏されているのです。

3位以下には真島俊夫（9演奏会）、フィリップ・スパーク（8演奏会）、清水大輔・アラン・メンケン（各7演奏会）と続きます。真島俊夫は「三つのジャポニスム」などのオリジナル作品のほか、編曲作品では「宝島」「オーメンズ・オブ・ラブ」が吹奏楽の定番として広く演奏されています。スパークはイギリス出身の現代作曲家、清水大輔は近年の吹奏楽コンクールで注目を集める作曲家、メンケンはディズニー映画音楽の第一人者です。

コンクール系の作曲家と、映画・アニメ系の作曲家が混在するランキングは、現代の市民楽団のレパートリーの幅広さを映し出しています。

「定番」が崩れ始めている──特化型楽団の台頭

かつてのアマチュア吹奏楽団といえば、吹奏楽オリジナル曲を中心に、クラシックの編曲作品を加えたプログラムが標準的でした。コンクール文化の影響が強く、「この曲は上手く演奏できれば評価される」という共通の物差しが存在していたからです。

しかし今回の調査データを見ると、その「定番」から意識的に離れた楽団の存在が目を引きます。

スタジオジブリ作品のみでプログラムを構成する楽団、ゲーム・アニメ音楽だけを演奏する楽団、クラシックの大曲（ベートーヴェンの交響曲やラヴェルのピアノ協奏曲など）に特化する楽団、そしてジャズ・ラテン・ポップスに絞り込んだYPWOのような楽団──どれも、従来の吹奏楽団のイメージとは一線を画す存在です。

こうした特化型楽団が生まれた背景には、コンクールを目指さない「コンサート型」楽団の増加があると考えられます。動機はさまざまで、「演奏者自身が楽しみたい曲を演奏したい（コンクール曲ではなく）」という内側からの動機もあれば、「聴きに来てくれるお客さんに楽しんでもらえる曲を選びたい」という外側への意識もあります。いずれにせよ、「評価される曲」より「好きな曲・届けたい曲」を選ぶ発想への転換が、レパートリーの多様化を後押ししているのかもしれません。

まとめ

神奈川の吹奏楽団で最もよく演奏される作曲家はアルフレッド・リードと久石譲（各16演奏会）。吹奏楽の巨匠とジブリの音楽家が並ぶこの結果は、コンクール文化に根ざした「定番」と、幅広い聴衆に届けるための「親しみやすさ」が共存する現在の市民楽団の姿を象徴しているようです。

ジャンルへの特化、個性の打ち出し、聴衆への意識──アマチュア吹奏楽団のレパートリーは、静かに、しかし確実に多様化しています。

調査の概要と限界

今回の調査では、ウェブ上で公開されている演奏会情報をもとに202団体をリストアップしました。ただし、演奏会の開催が確認できた団体はその一部に留まり、さらにプログラム（演奏曲目）まで取得できたのは28団体にとどまりました。

手作業で情報を補えばより多くのデータを揃えることはできますが、この調査はあえてAI完結型で進めています。人手を介さず、AIが公開情報から自律的に収集・整理できる範囲を探ることも、調査の目的のひとつです。

集計対象の演奏会は主に2025〜2026年に開催されたもので、一部の団体については2023〜2024年の過去データも含んでいます。ただし、神奈川全体の傾向を正確に反映しているとは言えません。また、ウェブ上で公開されているプログラム情報をもとにしているため、演奏会で実際に演奏されたすべての曲が含まれているわけではありません。特にアンコール曲は事前に公開されないことが多く、データには反映されにくい点にご留意ください。あくまで「AIが公開情報から読み取った一断面」として受け取っていただければと思います。

約3分の1が「吹奏楽オリジナル」

28団体・71演奏会・416曲を集計した結果、最も多かったカテゴリは吹奏楽オリジナル曲で全体の36%（149曲）でした。

「吹奏楽オリジナル」とは、吹奏楽のために書き下ろされたクラシック系の作品群です。コンクール文化を背景に、多くの団体が長年にわたってこうした作品を演奏してきた歴史が、この数字に表れています。

一方、ポップス・J-POPと映画・ミュージカルを合わせると39%。「聴いたことのある曲」が吹奏楽オリジナルとほぼ同じ割合で演奏されていることになります。神奈川の市民楽団の演奏会は、クラシック一辺倒ではありません。

対照的に、ジャズ・ラテンは5%（22曲）と最も少ないカテゴリのひとつでした。

最も演奏されている曲は

複数の団体で演奏された曲のうち、3団体以上が取り上げた曲は次の4曲でした。

※「The Seventh Night of July」名義での演奏を含む

吹奏楽経験者にはおなじみの作品が並びます。一方、2団体が演奏した曲は43曲にのぼり、ここには「カーペンターズ・フォーエバー」「リトル・マーメイド・メドレー」「紅蓮華」「ルパン三世のテーマ」と、吹奏楽の定番からディズニー、ジャズ、アニメまで多彩な曲名が並びます。市民楽団のレパートリーの幅広さがそのまま表れた結果です。

ひとつ気になるのは、吹奏楽ファンなら誰もが知る「宝島」「オーメンズ・オブ・ラブ」（いずれも和泉宏隆作曲・真島俊夫編曲）がランキングに登場しないことです。この2曲は750曲のデータ全体でも各1演奏会しか確認できませんでした。

理由として考えられるのは、アンコール曲として演奏されることが多いという慣習です。「宝島」「オーメンズ・オブ・ラブ」は短くて盛り上がり誰もが知っている──アンコールに最適な条件が揃っています。アンコール曲は演奏会の直前まで非公開にされることが多く、ウェブ上の告知情報を収集するこのデータには反映されにくい構造があります。「調査の概要と限界」でも触れているとおり、このデータは「正式プログラムとして公開された曲」の集計であり、アンコールの定番曲は系統的に見えにくくなっています。実態の演奏頻度はランキングが示す以上に高い可能性があります。

演奏会のスタイルは二極化している

各演奏会のジャンル構成を見ると、大きく二つのタイプに分かれていました。

※各演奏会のプログラムを見て、吹奏楽オリジナル曲が半数以上なら「オリジナル中心」、ポップス・映画・アニメ・ジャズなどの合計が半数以上なら「ポップス・映画中心」、どちらにも偏らないものを「バランス型」として分類しています。

ほぼ半々です。「吹奏楽の演奏会はクラシック系でとっつきにくい」というイメージがあるとすれば、それは半分しか当てはまりません。残りの半分は、映画音楽やJ-POPなど誰もが知っている曲で構成されています。

YPWOの立ち位置

参考までに、YPWOの3回の演奏会（30曲）を同じ基準で分類すると、こうなります。

神奈川全体で約3分の1を占める「吹奏楽オリジナル」を一切演奏せず、ジャズ・ラテンの比率は県平均の6倍以上という結果になりました。

Take the A Train、リベルタンゴ、スペイン──こうしたレパートリーは、今回集計した71演奏会・416曲の中ではほとんど確認されていません。

この結果から見えてくるのは、単なる好みの違いではなく、明確なポジションの差です。

なお、一般的な吹奏楽の文脈では、ジャズやラテンも広く「ポップス」に含めて語られることが多いですが、本調査ではレパートリーの傾向をより細かく捉えるため、これらを区分して集計しています。

その上で見ると、神奈川県内のアマチュア吹奏楽団は、「吹奏楽オリジナル中心」と「ポップス・映画中心」という二極に大きく分かれていますが、YPWOはそのいずれとも異なる位置にあります。

特に、ジャズやラテンを演奏会の中心に据えている点において、この領域は今回のデータ上ほぼ空白に近い状態です。

少なくとも本調査の範囲では、同様の方向性を明確に打ち出している団体は確認できませんでした。

こちらも参照ください　→　YPWOラボ | #001 「ポップス専門」吹奏楽団を名乗る理由

一般的なアマチュア楽団は「任意団体」

一般的な市民吹奏楽団は、任意団体として活動しています。任意団体とは、法律上の手続きを経ずに複数の人が集まって作る団体のことで、法人格を持ちません。設立のハードルが低く、運営の自由度も高い一方、社会的な信頼性や透明性の担保という点では限界があります。

NPO法人（特定非営利活動法人）は、所轄庁への申請・認証を経て設立される法人格を持つ組織です。事業報告書・決算書の公開が義務づけられており、活動の透明性が制度として担保されています。

YPWOがNPOを選んだ理由──音楽は社会の中にある

YPWOがNPO法人として活動しているのは、「音楽は本来、社会の中にある文化だ」という考え方に基づいています。

自分たちが楽しむためだけに演奏するなら、任意団体で十分です。しかしYPWOは、地域への文化貢献・音楽の楽しさの共有・世代を超えたコミュニティの形成を目指しています。こうした公益的な活動を長く続けていくには、個人の集まりではなく、社会に対して説明責任を持つ組織としての形が必要だと判断しました。

社会的信頼性と、寄付が集まりやすいという現実

NPO法人であることには、もうひとつ大きな実利があります。社会的な信頼性の高さです。

任意団体に比べ、NPO法人は活動の透明性が法的に担保されているため、地域の方々や企業からの信頼を得やすくなります。これは寄付という形でも表れます。YPWOの演奏会では当日に寄付を受け付けていますが、「活動の目的や使途が見えるから安心して」と気持ちよく応じてくださる方が多いのも、NPOならではの透明性によるところが大きいと感じています。

また、法人（企業）がNPO法人に寄付をした場合、寄付金控除の対象となります。地域企業が賛助会員として関わりやすくなるのも、この制度があるからです。

個人からの寄付金控除については、認定NPO法人の資格が必要です。YPWOはまだ一般のNPO法人ですが、将来的には認定NPOの取得を目指しています。認定を受ければ、個人の方が寄付をした際にも税制上の優遇が受けられるようになり、より多くの方に活動を支えていただきやすくなります。

演奏会の場は、音楽を通じて地域の方々と直接つながる機会でもあります。

まとめ

YPWOがNPO法人として活動しているのは、形式のためではありません。「音楽を社会に届け続ける」という目的に、もっとも適した組織のかたちを選んだ結果です。透明性・継続性・地域との信頼関係──これらはすべて、NPOという形を通じてより確かなものになります。

もしこの考え方に共感していただけたら、ぜひ一度、演奏会に足を運んでみてください。

そして、活動を支えていただける方は、賛助会員という形で関わっていただけると嬉しいです。

アマチュア楽団で年齢制限は少数派

市民吹奏楽団や一般のアマチュア楽団を見渡すと、団員募集に年齢制限を設けているところは多くありません。楽器が演奏できて、練習に来られる方であれば、幅広く受け入れるスタンスの楽団がほとんどです。

これは自然なことで、アマチュア楽団の多くは「好きな音楽を仲間と楽しむ」ことを主な目的としています。そうした団体にとって、年齢で門を絞る積極的な理由はあまりありません。むしろ、志のある方に来ていただけること自体がありがたい、というのが正直なところでしょう。

YPWOの現状──年齢より音楽

YPWOには現在、20代から60代まで幅広い年代のメンバーが在籍しています。音楽の場において年齢は関係なく、ポップスやジャズへの熱量と、月2回の練習への継続的な参加意欲があれば、それが全てです。既存メンバーの年齢幅が広いことは、YPWOの誇りでもあります。

それでも年齢制限を設ける理由

では、なぜ新規募集に限って年齢帯を絞っているのか。

理由は、組織としての継続性にあります。

YPWOはNPO法人として、地域への文化貢献を活動の第一の目的に掲げています。演奏会を開催し続けること、楽団としての質を維持すること──これらは「今いるメンバーが楽しむ」だけでなく、将来にわたって地域の人々に音楽を届け続けることを意味します。

そのためには、演奏を担うメンバーと同時に、運営を担う次の世代が必要です。広報・経理・渉外・演奏会の企画運営……楽団を動かす仕事は多岐にわたります。こうした役割を数年単位ではなく、10年単位で担っていける可能性の高い世代として、現在は20〜40代を主な対象としています。

「自分たちの楽しみ」か、「地域への責任」か

趣味のサークルとして運営するなら、こうした設計はあまり必要ないかもしれません。「今が楽しければよい」という価値観は、それ自体として十分に正当です。

しかしYPWOは、ミッションを持つNPO法人です。地域貢献を掲げる以上、10年後・20年後も活動を続けられる組織であることが求められます。継続性は、ミッション型の組織にとって責任のひとつです。

年齢制限は、その責任を果たすための、現時点での選択です。

20代から60代まで、異なるバックグラウンドを持つメンバーが一つのサウンドをつくり上げる。

まとめ

YPWOが新規募集に年齢制限を設けているのは、既存メンバーの年齢を問題視しているからではありません。地域に根ざした活動を長く続けていくために、組織の継続性を意識的に設計しているからです。

YPWOの活動や考え方に共感していただけた方には、ぜひ一度見学にお越しいただければ嬉しく思います。
年齢という条件だけでは伝わらない、実際の音楽や雰囲気を感じていただけるはずです。

YPWOの団費は、年間12,800円。この数字を見て、どう感じるでしょうか。

一般的な吹奏楽団ではいくらかかるか

アマチュア吹奏楽団の団費は、月3,000円前後が相場です。年間で36,000円になります。さらに多くの楽団では、演奏会のたびに「演奏会費」が発生します。会場費・楽譜代・ゲスト謝礼などをまかなうための費用で、1回あたり10,000円前後が一般的。年2回の演奏会があれば、それだけで20,000円が加わります。

合計すると、年間50,000〜70,000円というのが、多くの市民吹奏楽団に加入した場合の実態です。

YPWOの12,800円と比べると、その差は歴然です。

なぜここまで安くできるのか

理由はいくつか重なっています。

まず、収入の構造です。YPWOはNPO法人として、団員からの年会費だけでなく、賛助会員（個人・企業）からの年会費や、演奏会場での寄付金によって活動費をまかなっています。団員の団費だけに頼らない財政構造があるため、演奏会費を別途請求する必要がありません。

次に、指導陣やゲストの協力があります。YPWOは地域への文化貢献を目的とするNPO法人であり、その姿勢に賛同してくださった方々が、通常よりも格安で出演・指導を引き受けてくれることがあります。一流のプロが関わりながらも費用を抑えられているのは、こうした方々の善意に支えられている部分も大きいのです。

そして、ポップス専門という編成上の特性も見逃せません。一般的な吹奏楽団ではティンパニをはじめとする大型打楽器が必需品ですが、YPWOはドラムセット中心のリズムセクションで演奏するポップス専門の楽団です。大型打楽器は購入費・保管場所・運搬コストのいずれも大きな負担になるため、それが不要なことは財政面でも運営面でも、かなり有利に働いています。

つまりYPWOは、「コストを削っている」のではなく、構造的に団員負担が増えにくい仕組みになっているのです。

では、12,800円で何が得られるか

費用が安くても、環境がそれなりでは意味がありません。YPWOで実際に得られるものを具体的に挙げてみます。

ディレクター・森下滋による指導

森下滋は大学生のころからピアニストとしてのキャリアをスタートさせ、以来、数多くの大物ミュージシャンとの共演を重ねてきた実力者です。現在は牧師とミュージシャンの二足のわらじをはきながら、YPWOのディレクターを務めています。「楽譜を正確に再現する」にとどまらず、ジャズやポップスならではのグルーヴ感やアドリブのニュアンスまで踏み込んで音楽をつくっていく姿勢が、YPWOの練習の核にあります。

ディレクター・森下滋のもとで音楽をつくり上げるYPWOの練習。グルーヴ感やアドリブのニュアンスまで踏み込んだ指導が特徴です。

複数のプロコーチによるパート指導

YPWOには、それぞれの楽器分野で活躍する一流のプロミュージシャンが複数名コーチとして関わっています。アマチュア楽団でコーチを迎えているところはそれほど多くなく、いたとしても一人いるかいないか、というのが実情です。複数のプロから専門的なフィードバックをもらえる環境は、YPWOの大きな特徴のひとつです。

また、YPWOにはプロや上級者のメンバーも在籍しています。合奏の場で間近に触れるそのプレーは、コーチングとはまた違った刺激と学びを与えてくれます。「うまくなりたい」という気持ちのある方には、そういった意味でも恵まれた環境です。

年2回の演奏会本番

定期演奏会（入場無料）に出演できます。毎回一流のプロミュージシャンをゲストに迎えるコンサートに演者として立てる機会は、そう多くありません。

こうした環境で数年活動すると、単に「楽譜が吹ける」だけではなく、音楽を自分で作っていく感覚が身についてきます。
これは独学や一般的な合奏だけでは、なかなか得られない経験です。

スポーツ安全保険について

年間800円で加入するスポーツ安全保険は、団員自身を守るためのものです。練習中の事故や、自宅から練習場への行き帰りの途中で起きたケガなどをカバーします。

加えて、YPWOがこの保険への加入を必須としているもうひとつの理由があります。練習には、小さいお子さんを連れて来るメンバーもいます。「子供を預けられない日でも練習に参加できる」環境を大切にしているYPWOとして、そうした家族が安心して練習場に来られるよう、保険という形で備えているのです。

練習は集中して取り組む場でありながら、メンバーが顔を合わせる大切な時間でもあります。お子さん連れで参加するメンバーも。

まとめ

年間12,800円で、ディレクターと複数のプロコーチによる指導・上級者との合奏・演奏会の本番ステージ・家族も安心できる保険がセットになっています。一般的な楽団と比べれば、かかる費用は5分の1以下です。

「ちゃんとした環境で吹奏楽をやりたいけど、費用や拘束時間が心配」という方にこそ、YPWOは向いているかもしれません。練習見学はいつでも歓迎していますので、まずは一度足を運んでみてください。

だが、ここで一度立ち止まって問いたいと思います。その「受け皿」の実態を、私たちはどれだけ知っているのでしょうか。

全国に何千団体──しかし「面」のデータがない

日本には、吹奏楽連盟に加盟する一般バンドだけでも数千団体が存在すると言われています。加盟していない任意団体まで含めれば、その数はさらに多くなります。規模の大小、活動頻度、運営形態、団員の年齢層──それぞれが異なる何千もの団体が、全国の地域で活動しています。

にもかかわらず、これらの団体を横断的に調査した体系的なデータは、ほぼ存在しません。

断片的には存在する──でも「面」にならない

まったく何もないわけではありません。周辺領域には、断片的なデータや研究が存在します。

文化庁が定期的に実施する「文化に関する世論調査」では、音楽や芸術活動への参加率が調査されています。ただし対象は文化活動全般であり、「市民吹奏楽団に所属している人が何人いるか」を直接問うものではありません。

学術研究の分野でも、いくつかの先行研究があります。たとえば千葉圭説（2010）は日米の市民吹奏楽団を比較し、その社会的役割を論じました（「日米両国における市民吹奏楽団の社会的役割」北翔大学短期大学部研究紀要）。椎山克己（2006）は、日本の吹奏楽参加人口は800万人ともいわれるが、社会人になってからも継続できる環境が整っていないという構造問題を指摘し、コミュニティバンドの可能性を論じました（「生涯教育における吹奏楽活動の役割と今後の展望」久留米信愛女学院短期大学研究紀要）。

しかしこれらはいずれも、数団体の事例を深く掘り下げた研究です。全国の市民吹奏楽団を横断して比較・分析したものではありません。個別の「点」は存在しても、業界全体を俯瞰できる「面」のデータがない、というのが現状です。

吹奏楽連盟が持つデータも、コンクール参加団体数などの表面的な数値に限られます。コンクールに参加しない──あるいは関心を持たない多くの団体は、そこには映りません。

なぜ調査が存在しないのか

これは偶然ではなく、構造的な問題です。

市民吹奏楽団の多くは任意団体であり、登録制度も統一管理の仕組みもありません。「市民吹奏楽団」という定義自体が曖昧で、一般バンド・職場バンド・NPO法人・同好会、どこまでを対象とするかによって母集団がまったく変わります。情報はウェブサイト・SNS・チラシに分散しており、データ収集のコストは高くなります。

研究の関心も学校吹奏楽（教育分野）やコンクール文化に集中しており、社会人が活動する市民吹奏楽団は言わば「研究の空白地帯」に置かれてきました。

そして、もう一つ見落とされがちな理由があります。市民楽団は基本的に、自分たちの音楽を楽しむために存在しています。 他の楽団が何をやっているか、どんな規模か、どう運営しているか──そういったことに、あまり関心を持たないのは自然なことです。競争しているわけでも、比較する必要があるわけでもありません。横のつながりが薄く、業界全体を見渡すインセンティブが、どの主体にも生まれにくい構造があります。

誰も悪くない。ただ、誰も必要としてこなかっただけです。

データなき議論の危うさ

こうした状況のまま「地域移行」の議論が進むと、何が起きるでしょうか。

受け皿として期待される市民楽団が、実際に何人の新メンバーを受け入れられるのか。指導体制はあるのか。練習場所や運営費はどう手当てするのか。こうした具体的な問いに答えるデータがなければ、政策も連携も「精神論」の域を出ません。地域移行を推進する側も、受け入れを検討する楽団側も、手探りで進めるしかない状況です。

楽団の数が多いことと、受け皿として機能できることは、まったく別の話です。

YPWOとして思うこと

YPWOはNPO法人として、自分たちの活動を可能な限りオープンにしていきたいと考えています。団費の使途、演奏会の収支、団員の構成──こうした情報を発信することは、「市民楽団の実態」を少しずつ可視化することにもつながります。

椎山が指摘した800万人という元経験者の数が示すように、潜在的な担い手の規模は決して小さくありません。問題は意欲ではなく、活動を継続できる仕組みと、その実態を把握するデータの不在にあります。

各団体が自らの活動を記録・発信し、それを積み重ねていくことが、この分野のデータ整備への現実的なアプローチかもしれません。地域移行の議論が加速するいま、問うべきことを問う姿勢を持ち続けたいと思います。

YPWOはこれからも自団の情報を積極的に公開しながら、ITを活用した市民吹奏楽団のリサーチをYPWOラボを通じて継続していきます。

月2回の練習でサウンドを積み上げていくYPWO。一人ひとりの継続的な参加が、バンド全体の完成度を支えています。

合奏は「足し算」ではなく「掛け算」

ソロ演奏と合奏の大きな違いは、「一人が欠けると全体が変わる」という点です。

例えば、あるパートが3人いるとして、そのうち1人が欠席すると、サウンドの厚みだけでなく、ハーモニーのバランスや音量のコントロールにも影響が出ます。吹奏楽は楽器の種類も数も多い編成なので、どのパートが薄くなっても、その影響はバンド全体に及びます。

つまり合奏は、個々の演奏を単純に足し合わせるものではなく、全員がそこにいることではじめて「かたち」になる音楽です。参加率を重視しているのは、この構造的な理由からです。

多くの楽団が抱える「練習参加率」の悩み

練習参加率はYPWOだけの課題ではありません。アマチュア吹奏楽団の多くが、長年頭を悩ませてきた共通テーマです。

一般的なアマチュア楽団は毎週練習を行うケースが多く、月に4〜5回のコミットが求められます。仕事・子育て・趣味・付き合いと、大人には他にもやりたいことや外せない用事がたくさんあります。毎週練習に来ることが難しいのは、ある意味で当然のことです。

さらに多くの楽団では、運営費の大部分を団員からの団費でまかなっています。そうなると、練習にほとんど来ない「幽霊団員」であっても、団費を納め続けてくれる以上は大切な存在です。楽団の財政を支えるという意味で、正面から「もっと来てほしい」とは言いにくい構造があります。

こうした事情が絡み合い、多くの楽団では参加率の問題を抱えつつも、なかなか踏み込んだ対策を取れないのが現実です。

「ゆるすぎず、厳しすぎない」YPWOのスタンス

YPWOは「ゆるすぎるサークル」でも「厳しすぎる団体」でもありません。

コンクールを目指す学校の吹奏楽部のような義務感や拘束はありません。一方で、「来られるときだけ来る」というスタイルでは、音楽としての完成度を保てません。YPWOが目指しているのは、アマチュアであっても「ちゃんと音楽を作る」という姿勢です。

そのうえでYPWOが選んだのが、月2回という練習頻度です。毎週ではなく隔週にすることで、仕事や家庭との両立がしやすくなります。「月2回なら無理なく来られる」というメンバーの声は多く、参加率の高さにもつながっています。月2回の定例練習に継続的に参加できる方であれば、YPWOは十分に受け入れられる環境です。

練習はサウンドを磨く場であると同時に、メンバーが顔を合わせてバンドとしての一体感を育む時間でもあります。

本番に向けて「全員で積み上げる」プロセス

YPWOの定期演奏会は年2回。春と秋それぞれに向けて、数ヶ月かけてプログラムを仕上げていきます。

練習では毎回、音楽監督の森下滋のもとで楽曲を掘り下げます。ジャズやポップスの演奏においては、単に楽譜通りに音を出すだけでなく、グルーヴ感やアドリブのニュアンスなど、繰り返し合わせることで育まれる要素が多くあります。こうした積み重ねは、メンバー全員が継続的に参加することで初めて形になります。

本番のステージで「このバンドにいて良かった」と感じられる瞬間は、その積み上げの先にあるものです。

参加率は「義務」ではなく「コミットメント」

練習参加率を重視するといっても、それは厳格な出席管理をしているという意味ではありません。仕事や家庭の事情で欠席することは、もちろんあります。

YPWOが大切にしているのは、「この音楽を一緒に作りたい」という意志を持って、できる限り練習に来ようとする姿勢です。参加率はその気持ちの表れであり、義務というよりもバンドへのコミットメントとして捉えています。

「ちゃんと音楽に向き合いたい」「成長できる環境で演奏したい」──そういった気持ちを持つ方にとって、YPWOは最適な場所になると思います。練習見学はいつでも歓迎していますので、まずは一度足を運んでみてください。